7 важных мыслей из книги «Современное искусство и как перестать его бояться»
Или 7 причин прочитать эту книгу целиком и стать немного ближе к миру искусства
В середине сентября в издательстве АСТ вышла книга «Современное искусство и как перестать его бояться», написанная колумнистом Buro 24/7 и основателем галереи Fragment Сергеем Гущиным вместе с художником и соавтором Гущина по телеграм-каналу о современном искусстве ArtFragment Александром Щуренковым. Книга понятным для широкой аудитории языком рассказывает о современном искусстве, объясняет, почему вокруг него столько споров, и советует, как научиться его понимать. Buro 24/7 изучило «Современное искусство и как перестать его бояться» от корки до корки и выбрало из нее семь интересных мыслей, которые помогают по-другому взглянуть на современное искусство.
Современное искусство может быть современным временно.
Сегодня под современным искусством в искусствоведении подразумевается все, что создавалось в период с 1970 года по наши дни. Однако не стоит забывать, что когда-то Караваджо и Рембрандт тоже были современными художниками и удивляли и шокировали зрителей не меньше, чем сегодняшние перформеры и авторы инсталляций. Когда-то Эрмитаж задумывался как музей современного искусства, а не классического, каким он видится сейчас. В общем, современное искусство — это искусство, относящееся к современности, работающее с актуальными проблемами современности и с помощью современных материалов, и когда-нибудь современное нам искусство тоже может перестать быть современным.
Классическая живопись сложна для понимания не меньше, чем современное искусство.
На современное искусство часто ворчат, говоря о том, что классическая живопись лучше, потому что она более эстетичная, визуально приятная и понятная. Формально классическая живопись действительно кажется такой, потому что в ней зритель видит привычные вещи такими, какими он видит их в жизни, — людей, животных, растения, дома и так далее. Но за классическими натюрмортом, пейзажем или портретом всегда стоит вложенный художником смысл, который нельзя увидеть, не узнав побольше о каждой конкретной картине. Например, фреска «Сотворение Адама» Микеланджело будет восприниматься как просто красивая картинка-иллюстрация, если не задуматься о той драматичной мысли, которую в нее заложил художник: человек очень близок к богу, но при всех усилиях и желании все равно никогда не сможет до него дотянуться. На самом деле современное искусство должно быть для нас понятнее классического, потому что современные художники работают с темами, относящимися к нашей жизни и обществу, в котором мы сейчас живем.
Любопытство — главный ключ к пониманию искусства.
Зачастую проблема с пониманием современных художников и искусства, которое они создают, связана с отсутствием банального любопытства. Для понимания современного искусства важно изучать его контекст и читать интервью и биографии художников, комментарии искусствоведов и критиков. В каких условиях жил художник? Какое вокруг него было общество? Какие исторические события происходили, когда он работал над произведением? Почему он выбрал именно этот материал? Какая идея стоит за его работой? Как устроен «язык», на котором говорит этот художник? Ответы на все эти вопросы помогают понять современное искусство, но не каждый зритель прикладывает усилия, чтобы их найти даже в кураторских текстах к выставкам. А ведь то, что мы понимаем, вызывает у нас больше симпатии и меньше страха и отторжения. Не обязательно сразу же покупать искусствоведческие фолианты, для начала можно просто смотреть документальные и игровые фильмы о художниках, выписывать все слова, имена и события, о которых хочется узнать побольше, и искать их в Википедии. Накопленный таким образом багаж знаний обязательно расширит возможности понимания искусства.
Искусство всегда было дорогим.
Сегодня часто слышно удивление, что работы молодых современных художников могут стоить несколько сотен тысяч рублей. Однако, если взять русских художников конца XIX — начала ХХ века и пересчитать полученные ими за картины гонорары на современные деньги, то окажется, что и тогда молодые художники были дорогими. Хорошим примером тут может послужить «Девушка, освещенная солнцем» Валентина Серова, написанная им всего лишь в 23 года. Эта работа была куплена за 300 рублей, то есть за 440 тысяч рублей на наши деньги (и это около шести тысяч евро).
Громкое имя художника может мешать пониманию его работ.
Нам практически с детства дают определенный список гениев разных сфер культуры, которыми стоит восторгаться. Проблема в том, что знание о том, что, например, Пикассо — великий художник, не мотивирует глубоко разбираться в его творчестве, потому что нам уже дали вывод, к которому нужно прийти. Это создает соблазн не искать в них глубокие смыслы и не пытаться вникнуть в особенности его приемов, ведь эксперты уже сказали, что он гений.
Исторические травмы приводят к появлению новых течений в искусстве.
Исторические события и травмы всегда создают у художников-современников необходимость высказаться о них или как-то осмыслить в своих работах, и это часто приводит к появлению громких шедевров или даже целых направлений в искусстве. Например, Первая мировая война привела к появлению дадаизма и экспрессионизма, а Октябрьская революция 1917 года — к появлению русского авангарда. Другой пример — одна из ключевых работ Пикассо «Герника» была написана под впечатлением от бомбардировок времен Гражданской войны в Испании второй половины 1930-х.
Обойти все залы музея за один визит — плохая идея.
Ходить на выставки, пожалуй, необходимость, потому что простая репродукция всегда будет слабо передавать эмоциональный фон оригинала. Зачастую оказывается, что маленькая картинка из брошюры на деле огромное полотно в три человеческих роста, и, конечно, увидеть его вживую — совсем другое дело, нежели смотреть, например, на экране ноутбука.
При этом, придя в большой музей с множеством работ, трудно избежать соблазна марш-броском осмотреть все картины, которые только есть в здании. Это плохая стратегия, потому что, уделяя каждому произведению по минуте-две своего времени, зритель не успевает прочувствовать заложенную художником эмоцию, сформулировать свое представление о работе дальше принципа «нравится — не нравится», не успевает изучить саму работу и информацию о ней, чтобы ответить себе на вопросы о контексте, в котором она создавалась, и концепции, заложенной художником. Да, так можно получить чувство удовлетворения, но на самом деле скоростной забег по экспозиции не оставит после себя такого сильного впечатления, какое может оставить одна картина, стоит только уделить ей больше внимания. Качество важнее количества и в случае походов в музеи и галереи.