Анна Мерман — о современном арт-рынке, галерее «Объединение» и сборнике «24 слова»

Проекту сейчас около пяти лет, а идея мне пришла, когда в «Британке» нас учили быть художниками-фотографами. Тогда я сама начинала как художник, но быстро поняла, что лучше направить свой ресурс в создание пространства, которое поможет другим художникам найти свою аудиторию. Так и появилось «Объединение». Проект с самого начала был про молодое искусство — подобных инициатив раньше почти не было, сейчас их количество постепенно растет. За время работы «Объединение» несколько раз трансформировалось. Например, три года назад мне показалось классным не только продавать искусство, но и вести блог, где можно рассказывать про самих художников, студии, в которые мы ходим, и выставки, которые мы смотрим, чтобы человек не просто покупал что-то абстрактно-красивое, а знал, что за этим стоит, и по-настоящему погружался в процесс. Постепенно этот блог вырос в независимое медиа со своей редакцией, которое сейчас функционирует параллельно с галереей на одном сайте, но я уже не влияю на журнал, как было в самом начале.

У нас есть офис, где хранятся работы, но выставочного пространства у нас нет. С 2021 года мы начали делать поп-ап проекты на дружественных площадках с художниками, с которыми ведется сотрудничество. Пока такой формат мне кажется оптимальным, поскольку я нахожусь не в России, и это позволяет осуществлять гибкую деятельность без привязки к локации.

В основном художники присылают нам на почту свои портфолио, фотографии работ, CV и био, затем команда все отсматривает и отвечает по итогам решения. Я также сама подписываюсь на художников и слежу за их работой какое-то время, прежде чем написать и предложить сотрудничество.

Мы часто говорим о поддержке — рынок молодого искусства в России крайне мал и находится в процессе формирования, так что странно относиться к коллегам по рынку как к конкурентам. Мне искренне кажется, что сотрудничество — это важно для процветания и роста молодого российского искусства, расширения заинтересованной аудитории.

Сфера молодого искусства еще только начинает формироваться в самодостаточное направление на рынке, движение в этом направлении идет постепенно. Я мыслю с позиции, что есть не только моя галерея, мои цели и мои художники, а мы являемся частью целого пул игроков. И наша цель — показывать не только известных художников, а знакомить аудиторию с разными командами, которые день за днем создают уникальный продукт. Например, в журнале мы стараемся постоянно поддерживать коллег, показывать открытия выставок разных галерей, обращать внимание зрителя на независимые региональные инициативы. Только работая сообща, осознавая ответственность и вклад каждого участника в общее дело, понимая актуальную повестку и ту действительность, в которой мы оказались, мы сможем оставаться в контексте международного сообщества.

Во-первых, мы стремимся выстраивать открытую коммуникацию как внутри команды, так и с художниками и коллегами, учимся говорить открыто и искренне. Во-вторых, мы всегда помним о том, что во главе всегда стоит художник, именно творческая деятельность авторов позволяет всем нам работать. И, в третьих, уважение и поддержка – это касается времени нашех коллег, соблюдения личных границ, уважения к работе других команд.

Сейчас сложно загадывать. В этом году есть у нас план на определенное количество выставок, которые я надеюсь реализовать. Из моих личных целей: по возможности пользоваться тем, что я нахожусь за границей, и представлять работы художников международной аудитории.

До конца 2021 года я жила в Москве и не планировала никуда переезжать. Мой будущий на тот момент муж жил в Париже, поэтому было принято решение о моем переезде во Францию, а из-за его работы мы находились какое-то время в Нью-Йорке. На мой взгляд, одно из основных отличий западных галерей связано со стоимостью работ. Все стоит значительно дороже московских цен, но их нецелесообразно сравнивать с нью-йоркскими, поскольку мы имеем совершенно разные объемы рынков, количество арт-пространств, художников и коллекционеров. Отлаженная работа галерей в Нью-Йорке — результат сформированной культуры потребления и покупки на рынке искусства, и на этом фоне интересно следить за развитием именно молодого искусства. Но вопросы все равно остаются, например, доступности входа в сферу искусства и цена риска, как на европейском, так и на американском рынке. Из явных преимуществ французского: более низкая стоимость аренды помещений. Здесь у меня есть ощущение, что в Париже целое поле для классных идей и стартапов.

Мне кажется, что у нас будет собственный путь развития, правда, пока не ясно какой. Мой единственный совет: смотреть на коллег, вдохновляться ими и помнить, что нет ничего невозможного. Яркие примеры тех, кто работает с российскими художниками: галерея Сергея Гущина Fragment в Нью-Йорке, в Швейцарии — галереи Даши Лобынцевой Voskhod в Базеле и Serene Саши Бланаря в Лугано, недавно открывшаяся галерея Mute в Дубае.

В социологии считается, что даже одно и то же исследование, проведенное в разные дни, каждый раз дает уникальный срез социальной действительности. Мне кажется, если художник открыто выражает свою позицию в искусстве или, напротив, воздерживается создавать и выставлять свои работы, это объясняется тем, что меняется арт-пространство, меняются условия, а вместе с ними — и восприятие искусства, его влияние. Процесс творческой рефлексии не обходит стороной современный контекст, но было бы странно ждать от художника сухой трактовки того или иного события. Но, на мой взгляд, искусство в той или иной степени всегда отражает реальность.

Искусство в общественных местах — хорошая идея, которая помогает зрителю принять тот факт, что искусство живет не только в музеях, но и является частью повседневной жизни. Это правильный шаг, чтобы показать, как арт-объекты могут органично вписываются в разные пространства. Я знаю множество хороших примеров, особенно в Москве и Петербурге, когда отели и рестораны экспонируют предметы искусства, вдохновляя и посетителей делать это частью своей жизни.

На первых этапах самым главным кажется найти для себя художников, чей «визуальный язык» будет близок. Также можно поставить себе какое-то ограничение – это может вызвать азарт найти что-то большее в заданных условиях. В моем случае этим был бюджет, который я могла потратить: я покупала искусство, которое не выходило за рамки комфортной мне суммы (в разные периоды сумма могла быть как 1000 р, так и 10000 р). К тому же я верю, что только со временем начинаешь лучше понимать, чего ты действительно хочешь получить от искусства, как оно влияет на тебя и твою жизнь.

В феврале прошлого года у нас отменились все намеченные планы, и команда была в растерянности. Мы приостановили деятельность галереи, направив все силы на рубрику «Новый мир: как жить?». Вместе с редакцией искали ответы на волнующие нас вопросы: как сложить чемодан в одну сторону или в какие западные арт-резиденции можно податься в обстоятельствах, в которых все оказались и просто понять, кому интересно искусство в новом мире. И в какой-то момент у Марины Анциперовой, главного редактора журнала, появилась идея собрать эту колонку в одной книге, вдохновением послужила книга «Modern Manners» от журнала «The Gentlewoman». Так, мы решили собрать «24 слова», которые, на наш взгляд, в современном контексте поменяли свое значение или обрели новые оттенки. Они же объединили людей из области культуры, которые рефлексировали на заданное слово и раскрывали определенную тему.

У нас не было идеи, что текст и арт-объект дополняли друг друга, поскольку писатели не работали в связке с художниками. Единственное, что их объединяло, — слово. Сначала мы в рабочей табличке записывали слова, а потом всей командой думали, кто мог бы его лучше всего раскрыть. С этим предложением мы пришли к «Подписным изданиям», они сразу поддержали нашу идею и дополнили ее своими именами из литературной среды. Книга получилась именно такой, как мы задумывали — это случилось благодаря общим усилиям и слаженной совместной работе.

Книга начинается с текста Юрия Сапрыкина и графической работы Виктора Пивоварова, а заканчивается текстом Лены Кончаловской и живописью Миши Никатина. Эта идея принадлежит редакторам «Подписных». Но мне такая очередность показалась очень естественной, она будто создает ощущение смены поколений и своего рода пути, который проходишь вместе с книгой.

Я верю, что на смену разобщенности внутри рынка придет взаимопонимание и уважение. Не хочется думать, что искусство сейчас не имеет права на существование и должно умереть. Что-то еще будет, и искусство, безусловно, сыграет в этом важную роль.