У галереи с более чем 20-летней историей репутация безупречная, ведь ее основатель Сергей Попов — искусствовед. Присутствие pop/off/art gallery на любой ярмарке гарантирует вдумчивую селекцию: на «Скане» они выставили произведения одного из самых известных дуэтов России — Вики Бегальской и Александра Вилкина. Работы художников есть в коллекции Третьяковки, а еще прямо сейчас в галерее Марины Гисич проходит их персональная выставка «Аллохория» (увидеть можно до 28 ноября). Сам Сергей Попов признается, что полотна на их стенде стали самыми дорогими на ярмарке — свыше полумиллиона рублей за холст. Но это оправданно: тандем можно назвать живыми классиками, и эта живопись, на наш скромный взгляд, исключительно качественная.

Концепция стенда вращалась вокруг состояния «между» — момента, когда старое уже не работает, а для нового еще не существует правил. Кураторы отсылают к идее антрополога Виктора Тернера о лиминальности: именно в этом безграничном, похожем на сон пространстве, где нет фиксированных статусов, высвобождается творческая сила. Художница Алена Савельева умножает одно и то же тело до бесконечности — превращает опыт одного человека в наш общий, вторящий друг другу голос, а мир самосознания личности — в комнату кривых зеркал, подобную той, что ранила андерсеновского Кая осколком стекла. Азат Басыров пытается дать этому подвешенному состоянию язык и транскрибирует поток абстрактных, неосязаемых переживаний в конкретные знаки. Мадина Аминева доводит тему до предела и запирает личность в клетке ограничений, давая ей возможность прорасти сквозь нее тонкими, пластичными ростками. Втроем авторы выстроили на стенде сюжет одного и того же перехода, рассказанный разными пластическими языками.

Три города (Иркутск, Ангарск и Омск) встретились на одном стенде в трех разных медиумах, но с одной общей темой — исследование пограничных состояний, где форма колеблется между смыслом и его отсутствием. Открыл экспозицию Никита Неф, работающий с сибирскими полудрагоценными камнями, — материал у него говорит сам за себя, одновременно грубый и изящный. Антон Илюшин продолжил эту линию языком абстракции, освобождая полотно от иерархий. Завершила и уравновесила стенд Ольга Кошелева: ее графика в технике сухой пастели — размытые контуры, дымчатые градиенты — передает легкость времени и текучесть пространства.

Главной идеей стенда стала метафора кочующего дома, пространства без фиксированного фундамента, которое тем не менее несет в себе память, традиции и идентичность. В основе концепции — исторический контекст: с середины XIX века жители западной части империи активно переселялись на Дальний Восток в рамках государственных программ, и этот процесс сформировал уникальную, но нестабильную культурную среду. Места привязки — и поколенческой, и семейной, и художественной — исторически здесь так и не образовалось: многие авторы, достигнув определенной точки творческого развития, уезжают из региона, создавая эффект постоянного оттока и поиска новой почвы. При этом на этой земле веками живут коренные народы, чья культура неразрывно переплетается с культурой славянских переселенцев, и проект «Биома» — рефлексия именно на тему этого сложного симбиоза: столкновения кочевого духа и глубокой укорененности. Особенно запоминающейся деталью стенда стали керамические объекты Ани Целиковой.

Художница представила трогательный стенд с преимущественно детскими портретами. Савина размышляет о чистоте восприятия человека, когда его жизнь только берет начало. Саша наблюдала за своей племянницей, и ее поразило то, какой глубокий и осознанный взгляд можно увидеть у ребенка, как легко можно разглядеть в нем взрослого, которого иногда не можешь найти в себе. «С каждым годом я все больше ощущаю потребность в простоте, чистоте и искренности. В полноте и глубине чувств, которые не гасятся тотальной тревогой и перманентным стрессом», — признается Савина. Серия появилась как попытка продлить пребывание в незатуманенном ощущении жизни.

Для ярмарки Вера подготовила несколько работ из серии «Дискотека ускользающих лиц». Художница продолжает экспериментировать с материалами и рассуждать на тему кризиса личности в эпоху массовой культуры. «Иногда кажется, что дорогая обувь или модный макияж — это все, что нам надо, наивысшее стремление, цель всей жизни. Привлекая к себе внимание, активно сообщая о своей одежде, вещах или стиле жизни через соцсети, мы тем самым как бы пытаемся завоевать любовь и понимание, которых не хватает в нас самих», — делится Го. За внешним ярким блеском и зацикленностью на моде Вера видит попытку скрыться от внутренних переживаний, сложных вопросов и рефлексии. Вспомните, как и вы наверняка в мрачные периоды достаете самые нарядные туфли, чтобы просто забыться.

Художница исследует хрупкость мира и человека через бытовые предметы, аэрографию как распыленное восприятие и металл как носитель памяти. В практике обращается к темам ностальгии и детства. Чеканка у Анны особенно притягивает взгляд — так она пытается зафиксировать идею, придать воспоминаниям физическое воплощение. Ее произведения показывают, как люди порой «блюрят» действительность вокруг себя, цензурируя собственные мысли. Края некоторых работ — как, например, «Знаки внимания» — сглажены, что подчеркивает размытие нашего восприятия. Серия, представленная на ярмарке, красноречиво названа «Расфокус» и до сих пор пополняется новыми творениями. Советуем присмотреться: среди них точно найдется что-то, по ощущениям знакомое и вам.

Семья Кристины увезла ее в Москву, когда ей было 11, но сердце автора все еще принадлежит родной Якутии — преимущественно о ней все работы. Ныне Гольдерова трудится художником-декоратором в Большом театре и в своих произведениях часто использует обрезки бархата и других материалов, которые применяют в оформлении спектаклей. Ключевая тема творчества — переосмысление традиций и визуальной культуры северных народов. Так, например, в работе «Күөл», что в переводе с якутского значит «озеро», можно рассмотреть символ-оберег, который художница позаимствовала из фольклора. Этнические корни, врезание обычаев в современный контекст, сохранение аутентичности в период глобализации — над всем этим и приглашает поразмышлять Кристина.

Сейчас Руслан учится в Санкт-Петербургском институте кино и телевидения на факультете экранных искусств и в большей степени работает с фотографией. Художник исследует современный мир как пространство принятого абсурда, насилия и внутреннего разлома, ставших повседневной нормой. Творчество Амурского препарирует эти явления через критику, иронию и упрек, направленные внутрь самого человека. Автор рассказывает: «В последнее время мой фокус сместился к локальному контексту — судьбе, менталитету и национальной идентичности моего народа. Опыт жизни в глубокой провинции сформировал мой визуальный язык, наполненный тревожными образами, архетипами и гротеском, через которые проявляется зло повседневности». При всей кажущейся мрачности образов работы Руслана сложно назвать пессимистичными. В них есть напряжение между тьмой и (все-таки!) возможностью света. Остается лишь верить в духовную победу добра.